Fotoesia, portada de libro

 

El cuervo (Le corbeau). Los efectos de la calumnia y la difamación

         El cuervo (Le corbeau).  Henri-Georges Clouzot 

"Nada consuela tanto al miserable como sembrar la semilla del descrédito y la difamación en los campos mejor labrados"    
 J.M. de Prada

     La intencion primera de esta pelicula, como señala Juan M. de Prada, es el análisis de la maledicencia, como elemento destructor de las comunidades humanas.
      La trama gira alrededor de un médico rural y los sucesos que acaecen cuando es acusado falsamente de diversas conductas denigrantes e irresponsables, por medio de cartas anónimas firmadas por “el cuervo”, hasta llegar a destruir su reputación personal y profesional.

    La dinámica social que se genera en el pueblo llega a ocasionar la muerte de un paciente, que se niega a ser atendido por el médico.
    Recordemos que la palabra griega "diábolos" (diablo) significa "falso acusador o calumniador", viene de "día- vallen" que significa "echar por tierra", "crear desorden y división", lo cual es la descripción exacta de la obra del diablo.

   La película puede resultar dura de ver por su crudeza, y en algunos momentos se hace asfixiante la misantropia que parece destilar. Hay que tener en cuenta el contexto en el que fue hecha: 1943, en plena 2º guerra mundial y a punto de ser invadida Francia.

  En la misma se describe con precisión milimétrica, la dinámica del contagio social de la maledicencia y la difamación en las comunidades humanas, su vulnerabilidad ante la influencia de personalidades psicopáticas y las consecuencias devastadoras que genera el resentimiento, que como señala Gregorio Marañón, desde Caín y Abel es una constante en la historia de la humanidad.

  Realizada en modo de suspense e hiperrealismo, termina descubriéndonos que básicamente detrás de todo lo que sucede, esta agazapada la envidia y el resentimiento.
    Hoy en día, la maledicencia y la difamación son armas de uso común visibles en la denominada "prensa-basura" así como en redes al amparo del anonimato. Pero también se puede observar, aunque afortunadamente no tan frecuente, a nivel laboral o familiar.

  En todos los casos la destructividad es mayor, pudiendo ser devastadora, cuando se actúa sobre la victima de manera conjunta o no individual y de forma coordinada, pues ello significa la disolución de la responsabilidad personal, lo que conlleva ausencia del sentimiento de culpa y la liberación de las más bajas pasiones (Adquiriendo la potencialidad de "banda organizada" o masa, y el efecto "manada")

  Por lo demás, la película también nos muestra la importancia del prestigio profesional del médico, que en sí mismo es un valor social que hay que preservar,  entre otras razones por su carácter terapéutico.

    J.M. de Prada en base a este film, hace un estudio minucioso y lúcido sobre la calumnia y la difamación desde el punto de vista etiopatogenico, esto es: como se fragua y desarrolla, así como los efectos devastadores que genera, tanto a nivel personal como social.

Estas son algunas de sus luminosas reflexiones al respecto:

... Su intención primera es el análisis de la maledicencia como elemento destructor de las comunidades humanas. Y es que la maledicencia, que es siempre el desahogo de un espíritu enfermo, se complace en el contagio corrosivo de su propia dolencia. 

Tan importante como el desprestigio de la persona calumniada, resulta para el maledicente que sus insidias envenenen las almas de las personas que alimentan, sembrando en ellas angustias y vacilaciones, provocando discordias y recelos incurables; encizañando, en fin, la convivencia, hasta convertirla en un campo de minas. Tan condenables como los cuervos que lanzan especies calumniosas son esas gentes imbéciles que contribuyen a su propagación, con frivolidad o regodeo, pensando que la maledicencia es un juego o pasatiempo inocuo, sin medir las consecuencias de lo que destruyen. Sin darse cuenta de que, con su actitud irresponsable, están contribuyendo a que la envidia, el resentimiento y la pura malignidad se entronicen como árbitros de la vida social.

Hay, en efecto, gentes que no pueden vivir sin alimentarse de maledicencias que mantengan despierta su curiosidad malsana. La maledicencia se ha convertido, increíblemente, en el ‘soma’ de los espíritus innobles, que –como les ocurre a los enfermos más mezquinos– se consuelan sabiendo que su enfermedad se contagia a quienes le rodean («mal de muchos, consuelo de tontos»). 

Hoy más que nunca, en volandas de las ‘redes sociales’, la cizaña de la maledicencia prende con una feracidad tropical, a veces porque ‘divierte’ mucho, a veces porque halaga despechos y envidias enconadas. Pero, a medida que la maledicencia se extiende, la sociedad se envilece, las bajas pasiones afloran y lo anegan todo. Y pronto la censura legítima, la sátira ingeniosa no bastan, pues no suscitan el mismo interés morboso que provocan las calumnias que destruyen vidas. Así, azuzadas por los cuervos, las sociedades se convierten en jaurías de hienas que sólo hallan consuelo en lanzar su dentellada sobre la fama ajena.

 Y, por supuesto, las hienas siempre lanzan su dentellada sobre las personas más virtuosas, porque nada consuela tanto al miserable como sembrar la semilla del descrédito y la difamación en los campos mejor labrados.

FREUD, LA PASION SECRETA, JOHN HUSTON 1962

 

Esta película, dirigida por John Huston, describe cinco años (a partir de 1885) de la vida del psicólogo Sigmund Freud (1856-1939), se trata del tiempo de gestación y alumbramiento de su teoría del Psicoanálisis.

Al margen de su elaboración técnica o artística, la película resulta especialmente significativa porque retrata, casi en tiempo real y presente, el impacto que significó la aparición del psicoanálisis en su época, así mismo permite intuir la trascendencia que más tarde tendrían estas teorías en el devenir de la  historia de la Humanidad.

Toda la elaboración de la obra: desde el guión, dirección, producción o interpretación, está construida básicamente desde la aceptación de esta teoría y así mismo bajo la seducción de su personaje principal: Freud, lo que resulta en cierta manera lógico, pues también lo fue para amplias capas de la sociedad.

 

Es por ello, que no se adivina durante el transcurso de la trama, ni un solo punto crítico al relato psicoanalitico excepto aquello que el propio espectador pueda deducir, aunque siempre serian con argumentos ajenos a la misma. 

En este film se expresa y retrata a través de sus personajes, las bases y teorías del psicoanálisis, hoy ya ampliamente superadas y en gran medida rechazadas por la propia realidad.
Teoría que presenta algunos hilos de luz pero asimismo grandes agujeros de oscuridad, entre ellos el concepto del sexo como origen primario de la mayoría de psicopatologías, así como el desenfoque en el proceso clínico de la histeria, representado de forma muy descriptiva en la película.

También el fenómeno de la transferencia: se muestra cuando Cecyl ve el reflejo de su padre, tanto en Breuer como en Freud, mientras cada uno de ellos la están tratando los síntomas que presenta.  

El Complejo de Edipo: Freud lo descubre cuando su padre fallece, al sentirse incapaz de entrar al cementerio donde está su tumba.  Al pensar en las posibles causas de esto, comienza a recordar su infancia y llega a la conclusión de que sentía una competencia inconsciente con su padre, por el amor de su madre. 

El Complejo de Electra: lo presenta su paciente Cecyl, pues de niña siempre sintió rechazo a su madre porque sentirse celosa por el amor de su padre hacia ella.

 Evidentemente la realidad es que no se trataría tanto de atracción y menos aún sexual sino de identificación y concreción de la personalidad, aprendiendo -por mimetismo-  roles individuales a través de los miembros de la familia, especialmente de los padres pero también en menor medida con el resto de la misma.

La interpretación de los sueños y la Hipnosis: sin duda se trata esta, de una técnica mental invasiva y asimismo posesiva, por ello de las más peligrosas porque genera por si misma control y dependencia, y consecuentemente puede producir seducción, algo que suele suceder en cualquier relación humana, cuando es muy unidireccional.

Tal vez solo hoy, con el paso del tiempo, podemos mirar con el suficiente ojo crítico esta teoría, que en aquellos tiempos imploxionó,  y que a cualquiera nos podría haber “seducido o abducido”.

Pero referente a los "hilos de luz" que lleva la teoría del psicoanálisis, quizás lo más importante de esa nueva actitud es, como dice el Dr. Gregorio Marañón:  la enorme valoración de la individualidad del enfermo. Suyas son estas luminosas palabras:

"... Pero entrar a zancadas y con los zapatos sucios en la última morada de la conciencia de los hombres y remover el poso de residuos que un divino cedazo arroja a los suburbios de la conciencia, con razón y para que se esté allí quieto, me parece sencillamente pecaminoso y bárbaro”

Cuando digo que el psicoanálisis me parece errado me fundo en dos razones ya expuestas por otros humanistas: La primera es su falta de espiritualidad:
Al psicoanálisis le falta levantar los ojos “hacia arriba”, porque muchas veces lo que está en el fondo de las conciencias solo se ve cuando se refleja fuera de ellas, en lo alto, en la región de la Fe, en lo que no se puede comprender, en la región de la santa quimera, que no puede explicarse la razón
Y la segunda es su radical indiscreción; Dijo un poeta español: que “la mitad de las cartas que se pierden, se deben perder” y yo añadiría, imitándole que tal vez la casi totalidad de los recuerdos que olvidan los hombres, se deben olvidar y que por lo tanto es insano y temerario el pretender sacar a la superficie de la actualidad esos recuerdos que se hundieron, porque tenían que hundirse, en el légamo de la conciencia.”

 Así pues esta película representa una singular simbiosis de historia, ciencia y filosofía, así como la concepción del arte como eterno espejo de la realidad humana.

Juan Francisco Jiménez Borreguero

CICLO DE PELICULAS DE ANDREI TARKOVSKY

  La infancia de Iván (1961)

Andrei Tarkovsky

"La infancia de Ivan" es la primera película de Andrei Tarkovsky, solo por ello es muy importante y significativa: porque marca, como disparo de salida,  un nuevo camino creativo y dibuja en esquemas lo que más tarde será su trayectoria estética y ética.

Son de destacar la belleza de las imágenes, su mensaje narrativo  y su simbolismo expresivo.

La infancia de Iván describe la historia de un niño rescatado por las tropas soviéticas  durante la Segunda Guerra Mundial cuando los nazis invadieron Rusia. Como consecuencia de la guerra muchos niños quedaron huérfanos y muchos de ellos ayudaron a las tropas rusas en su lucha contra los alemanes, haciendo todo tipo de labores y ayudas como, abastecimiento de alimentos y municiones, en enfermería o de espionaje. Si bien los militares les trataban  y acogían con todo el cariño y, deseaban que éstos recibieran una educación, pero algunos como el protagonista de esta película Ivan  se resistieron, insistiendo en ayudar a sus compatriotas.

 

En las escenas de los bombardeos es de resaltar como contrapone las imágenes de destrucción con las explosiónes de las bombas, como símbolo del mal o del error, enebrandolas con  la belleza estetica de los paisajes y las imagenes, tratando con ello tal vez de humanizar la realidad a traves de la perspectiva del niño y personalizadandolo en los rostros, con primerísimos planos de los soldados, o en la imagen de la Virgen con el Niño en un cuadro de estética ortodoxa, y tambien en los primeros planos de la naturaleza o de la imagen de la cruz, que se dobla ante el mal pero no cae, con su claro mensaje simbolico.

Hay muchos otros mensajes simbolicos ademas de la Cruz que se ladea pero no cae tras los  bombardeos, incluso pareciendo tapar el sol (la Luz), como el de las olas, o  el del niño y  la madre con el de la Virgen y el niño Jesús, como simbolismo de la familia y sobre todo el retrato de la inocencia y la esperanza, atraves del rostro en primeros planos del niño, que es salvado por las tropas soviéticas, de los bombardeos, simbolizando la generosidad..,  y en suma  retratando el humanismo.

La vision detallada de la naturaleza, partiendo desde su imagen global y aerea, con la belleza de las ramas de los árboles y del camino,  la  playa con los caballos libres en ella y comiendo manzanas, como fruto que la naturaleza generosamente da y que como olas  vuelve a ella.

Es difícil expresar en palabras la emoción de tanta belleza, si no es a traves de la visión del genio, con poesía en imagenes. 

La escena en el bosque plasma el duelo psicológico de dos soldados que pretenden a una mujer, es realmente hermosa y fascinante porque juega con las miradas como con los colores de un cuadro para retratar de forma sublime el sentimiento intuitivo e instintivo del amor, todo ello en el escenario natural del bosque no espeso, lo que permite ver el horizonte cercano entre los árboles, que asisten como personajes invitados, a una danza imaginaria del amor y la atracción, con la melodia del viento; Los primeros planos de ambos son siempre la continua firma de la dignidad humana.

Es de agradecer la luz generosa que nos ofrece en las escenas,  incluso en escenarios interiores y nocturnos, en contraste  con  otros artistas de cine de autor, lo que expresaria tal vez su limpieza de alma y su gran fuerza expresiva , tan explosiva como el sol, que no necesita esconderse en las sombras para expresar su poder,  y siempre alternando escenas de primeros planos detallados de la tierra con sus raíces,  o de los rayos del sol,  enhebrandoloes con otros como la mirada del niño, la sonrisa de la madre.., etc.

Otra escena especialmente significativa desde el punto de vista estético y simbolico, es la representada en el pozo: el juego de imágenes en los que madre e hijo reflejan la luz, y juegan a confundirse y fundirse con el agua, en simbiosis total con ella; Sin duda refleja la fuerza natural y sobrenatural de la maternidad y su influencia vital en el ser humano, asi como la energia cósmica de la naturaleza.

 No necesita del color, esta película,  para adivinarse su fuerza expresiva y sugerir la belleza de la naturaleza en toda su plenitud...  la armoniza con la del ser humano para reforzarla y complementarla, exponiendo con mayor transparencia la dignidad humana.

 Sin duda tras visionar esta obra se podía adivinar, que detrás de ella, se hallaba un genio, con todo lo que ello implica de singularidad y de “ parto”, o de anuncio del comienzo de un nuevo e inédito camino creativo.

Tartovski, que murió pronto, como otros grandes genios:  Mozart, etc,  al margen de la calificación y clasificación de su obra, su legado a través del arte y la filosofía,  es eterno, infinito y universal.

Andrei Rublev (1966)

de Andrei Tarkovsky

Es la segunda película de Andrei Tarkovsky, si bien ya había sido reconocido mundialmente su éxito como director de La infancia de Iván, pero sin duda el segundo paso siempre es el más importante porque es el que marca la fuerza sobrenatural de la genialidad y la distingue de la ocurrencia o de la fortuna.

Además se trata de una película mas personal y por ello mas autorretrato, pues de el es también el guión como coautor  y de el surgió su idea expresiva

"Religión, filosofía, arte - los tres pilares sobre los que descansa el mundo- fueron inventados por el hombre para condensar la idea de infinito" (Diario de Andrei Tarkovski)

Andrei Rublev es la historia de artista genial un monje que sale de su monasterio para conocer el mundo real, desde donde conoce sus propias limitaciones a la vez que el choque existencial con un mundo  duro y lleno de miserias, violencia, injusticias etc.,  Esto le hace paradójicamente reforzar aun mas su visión idealista y creativa del mundo a trabes de la interiorización de la belleza  como parte consustancial al bien  y a la Verdad.

 En esta película no se sigue una línea continua de argumento sino que se pasa de escenas como si de versos de una poesía se tratara, solo al terminar se unen todos las palabras en una única , que es la misma, aunque suene fonéticamente diferente : Belleza Verdad Bondad y Eternidad

El personaje parece salir de uno de los cuadros del Greco reflejando en su imagen, el misticismo sublime  a través del rostro y el cuerpo, recordando asimismo al de su admirado Don Quijote sin duda es una proyección del propio alma del autor Tarkovsky, además también hay  abundantes  referencias visuales al  arte sacro bizantino tan expresivo de cristianismo ortodoxo y tan interiorizado en el propio autor a través del vinculo sagrado de su familia.

 Es de señalar como se producen los diálogos mas hondos desde el punto de vista teológico y existencial en el escenario de la naturaleza, con su  luz natural , en entorno de horizontes cambiantes de árboles , nubes  y agua siempre agua con el que sin duda simboliza la vida y el correr del tiempo, mas aun porque los propios personajes tocan , casi acarician el agua que corre por el rió, como si fuera  sagrada y que recuerda al mismo  simbolismo poético que si fuera la sangre de la naturaleza  y mas teológicamente a la sangre de Cristo.

La s imágenes de la pasión son sublimes , en las que aparece portando la cruz en el medio del paisaje blanco de la nieve, blanco  solo roto por el movimiento negro de los hombres , para el mal pero también para el bien, de forma mas activa, Estas escenas son de una fuerza expresiva inigualable  la expresión del rostro del dolor de la Virgen al ver la muerte de su hijo también me parece no superada en ningún filme ,tal vez solo por las imágenes de algunos artistas de arte sacro, la nieve además de ser el paisaje natural donde se forjo el alma del autor es d e una belleza expresiva mayor y el conjunto de estas escenas son difícilmente explicable en palabras solo la emoción puede expresarlo en poesía

La mas bellas imágenes aéreas representando la visión divina que también esta dentro del hombre,  de ríos, lagos y pastos y la presencia de caballos que aparecen muy a menudo en las escenas talvez como símbolo de la belleza animal y de la razón, singulartemente las escenas donde aparece un caballo  retozándose en las orillas del rió en un amanecer, son de una belleza armónica incomparable.

también es de resaltar el cambio que se produce al final de la película, del blanco y negro al color, mostrando los iconos reales de Rublev , como un éxtasis de la Fe,  que abre una vida mas plena, mas bella y sobre todo mas “real” pues conlleva todos los matices que refleja la naturaleza.

 Andrei Tarkovsky parece decirnos que Es el hombre el que viste la naturaleza para embellecerla,…solo con su imagen, solo con su movimiento, solo con su presencia. También con su visión, y por ello es el mejor entorno para predicar el evangelio, porque es donde la Verdad se reconoce más con la beldad.

 Y es bueno que el hombre lo sepa y es bueno que lo sienta, por eso lo proclama en imágenes y también en palabras a través de sus personajes y a través de sus escritos.

Solaris (1972)de  Andrei Tarkovski

El científico Kris Kelvin es enviado a una estación espacial que gira en torno al planeta Solaris, al que rodea una especie de océano impreciso visiblemente pero pensante. Falla la comunicación con la nave, así que la misión de Kris es la de comprobar qué extraños sucesos ocurren en la misma. El personaje de Kris  mostrara todo un universo de pasiones y emociones que se desencadenan en la estación. Inducen a la reflexión sobre el amor y la inmortalidad

 Es de destacar como retrata la necesidad del hombre para estar en armonía con la naturaleza, por cualquier medio, incluso para verla, olerla, sentirla,.. Por eso la  busca constantemente mirando desde la ventana de la nave,

 Como también necesita del amor, creando desde la fantasía o la ficción a su amada y procurando las imágenes más bellas del amor entre un hombre y una mujer,  plenas de delicadeza y valoración del sentido estético de la belleza  humana y el valor supremo de sus sentimientos.

 Tarkovski nos hace ver que la filmacion de ese sentimiento desde el respeto  y la valoración suprema de la dignidad humana esta al margen del entorno que les rodea

Ese retrato posee una belleza intrínseca, que esta al margen de su entorno,  aunque sea dentro de una nave espacial

Las miradas,  el acercamiento, y el abrazo de los personajes Kris y Hari flotando en la ingravidez de la estación,  mientras suena la música de  Bach es literalmente sublime y de una fuerza expresiva infinita, pues nos muestra  en imágenes cargadas de poesía la dimensión sobrehumana del sentimiento del amor  

 No obstante hay que decir que los planos  la luz y la interpretación de los personajes son literalmente fascinantes.

Por lo demás las escenas en la tierra inciden como en otras obras de Tarkovski  en la belleza la de la naturaleza que se inicia con desde planos siempre altos,  desde una visión siempre superior, la divina del hombre,  hasta llegar a lo s mínimos detalles, con el movimiento de los arbustos de la hojas de lo carboles,  del agua de los ríos, en definitiva el movimiento de la vida

Y siempre el hombre con su primeros plano o planos generales  vistiendo la naturaleza y buscando su sentido en la armonía con ella, en definitiva en la belleza.

El espejo

Andréi Tarkovsky,

Esta película de Andréi Tarkovsky es la más autobiografiíta,  en ella se entremezclan aun más, si cabe, la poesía   y el tiempo con los sentimientos más profundo s del hombre desde el dolor el miedo y la muerte

Se traslada poéticamente del pasado al presente  a través de las imágenes y de dentro a fuera de los sentimientos a través del paso del blanco y negro al color.

También incorpora Tarkovsky imágenes surrealistas (la mujer levitando sobre la cama), para señalar la belleza y realidad de los sueños, y bajo su escenario entremezcla las épocas, todo ello  como diferentes versos de un mismo poema visual titulado Belleza

Sacrificio, Offret (Andrei Tarkovski, 1986)

Se trata de la ultima película de  Andrei Tarkovski, y ya sabiéndose enfermo por ello adquiere un a mayor trascendencia por cuanto lleva de testamento y de autorretrato en esa etapa vital enormemente angustiosa y donde el miedo, la esperaza y la Fe se entremezclan en dosis infinitas para cualquier hombre pero talvez aun mas,  para  la hipersensibilidad de alma del artista genial.

El mensaje a traves del argumento no puede ser mas expresivo de una despedida: un hombre planta un árbol seco y trata de regarlo,  piensa que si un hombre hace algo de forma entusiasta y con Fe puede cambiar el mundo, Su hijo le mira y aprende. Se declara la guerra con la destrucción mientras el niño sigue dormido. El reza con angustia, pidiéndole a Dios que todo siga igual y pare la guerra a cambio hará un gran sacrificio, renunciará a todas sus pertenencias.

El argumento, poético en sus formas y en su contenido se acompaña de las imágenes mas bellas al mas puro estilo de Tarkovski, buscando la sencillez como la forma mas precisa y eficaz de transmitir la Verdad y la belleza,  la naturaleza en estado puro y los diálogos mas hondos ,como el de de despedida entre el padre Alexander y el hijo ,ambos sentados en el verde suelo alfombrado de naturaleza y entre columnas de árboles que como siempre dejan ver el horizonte,

Y que como siempre también en las obras de Andrei Tarkovski, son los protagonistas  mudos de estos poemas visuales que marcan un limite en el infinito universo del arte y consiguen el milagro de parar el tiempo para la eternidad

La película tiene como protagonista  a la joven Natalia con su hijo y al mismo tiempo a la madre del padre cuyo espejo vuelve a darse en las jóvenes generaciones

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En esta cinta Tarkovsky, las imágenes  adhieren un carácter sublime y recuerdan a  los trazos perfectos de otros grandes genios de la humanidad como Leonardo da Vinci etc. Los paisajes variados, rostros que expresan sentimientos desde el amor a la melancolía etc.

La cámara se enfoca desde la visión general  del cosmos al pequeño detalle de objetos, , telas, rostros, pastizales para retratar con profundidad los interiores del pasado y del presente de las personas 

La fotografía revela todo este paisaje interior y exterior del hombre a traves de la belleza y de la poesia

FREUD, LA PASION SECRETA, JOHN HUSTON 1962.

 

 

Esta película, dirigida por John Huston, describe cinco años (a partir de 1885) de la vida del psicólogo Sigmund Freud (1856-1939), se trata del tiempo de gestación y alumbramiento de su teoría del Psicoanálisis.

Al margen de su elaboración técnica o artística, la película resulta especialmente significativa porque retrata, casi en tiempo real y presente, el impacto que significó la aparición del psicoanálisis en su época, así mismo permite intuir la trascendencia que más tarde tendrían estas teorías en el devenir de la  historia de la Humanidad.

Toda la elaboración de la obra: desde el guión, dirección, producción o interpretación, está construida básicamente desde la aceptación de esta teoría y así mismo bajo la seducción de su personaje principal: Freud, lo que resulta en cierta manera lógico, pues también lo fue para amplias capas de la sociedad.

Es por ello, que no se adivina durante el transcurso de la trama, ni un solo punto crítico al relato psicoanalitico excepto aquello que el propio espectador pueda deducir, aunque siempre serian con argumentos ajenos a la misma. 

En este film se expresa y retrata a través de sus personajes, las bases y teorías del psicoanálisis, hoy ya ampliamente superadas y en gran medida rechazadas por la propia realidad.
Teoría que presenta algunos hilos de luz pero asimismo grandes agujeros de oscuridad, entre ellos el concepto del sexo como origen primario de la mayoría de psicopatologías, así como el desenfoque en el proceso clínico de la histeria, representado de forma muy descriptiva en la película.

También el fenómeno de la transferencia: se muestra cuando Cecyl ve el reflejo de su padre, tanto en Breuer como en Freud, mientras cada uno de ellos la están tratando los síntomas que presenta.  

El Complejo de Edipo: Freud lo descubre cuando su padre fallece, al sentirse incapaz de entrar al cementerio donde está su tumba.  Al pensar en las posibles causas de esto, comienza a recordar su infancia y llega a la conclusión de que sentía una competencia inconsciente con su padre, por el amor de su madre. 

El Complejo de Electra: lo presenta su paciente Cecyl, pues de niña siempre sintió rechazo a su madre porque sentirse celosa por el amor de su padre hacia ella.

 

Evidentemente la realidad es que no se trataría tanto de atracción y menos aún sexual sino de identificación y concreción de la personalidad, aprendiendo -por mimetismo-  roles individuales a través de los miembros de la familia, especialmente de los padres pero también en menor medida con el resto de la misma.

La interpretación de los sueños y la Hipnosis: sin duda se trata esta, de una técnica mental invasiva y asimismo posesiva, por ello de las más peligrosas porque genera por si misma control y dependencia, y consecuentemente puede producir seducción, algo que suele suceder en cualquier relación humana, cuando es muy unidireccional.

Tal vez solo hoy, con el paso del tiempo, podemos mirar con el suficiente ojo crítico esta teoría, que en aquellos tiempos imploxionó,  y que a cualquiera nos podría haber “seducido o abducido”.

Pero referente a los "hilos de luz" que lleva la teoría del psicoanálisis, quizás lo más importante de esa nueva actitud es, como dice el Dr. Gregorio Marañón:  la enorme valoración de la individualidad del enfermo. Suyas son estas luminosas palabras:

"Pero entrar a zancadas y con los zapatos sucios en la última morada de la conciencia de los hombres y remover el poso de residuos que un divino cedazo arroja a los suburbios de la conciencia, con razón y para que se esté allí quieto, me parece sencillamente pecaminoso y bárbaro”

Cuando digo que el psicoanálisis me parece errado me fundo en dos razones ya expuestas por otros humanistas: La primera es su falta de espiritualidad:

Al psicoanálisis le falta levantar los ojos “hacia arriba”, porque muchas veces lo que está en el fondo de las conciencias solo se ve cuando se refleja fuera de ellas, en lo alto, en la región de la Fe, en lo que no se puede comprender, en la región de la santa quimera, que no puede explicarse la razón

Y la segunda es su radical indiscreción; Dijo un poeta español: que “la mitad de las cartas que se pierden, se deben perder” y yo añadiría, imitándole que tal vez la casi totalidad de los recuerdos que olvidan los hombres, se deben olvidar y que por lo tanto es insano y temerario el pretender sacar a la superficie de la actualidad esos recuerdos que se hundieron, porque tenían que hundirse, en el légamo de la conciencia.”

 Así pues esta película representa una singular simbiosis de historia, ciencia y filosofía, así como la concepción del arte como eterno espejo de la realidad humana.

Juan Francisco Jimenez Borreguero

Jim Jarmusch - Stranger Than Paradise (1984

Le película de Jim Jarmusch cuenta la historia de la llegada de una chica húngara (Eva) a USA, para hospedarse por unos días en el apartamento de su primo (Willie), hasta que parta definitivamente a la casa de su tía en Cleveland.
Los personajes de la película son tres jóvenes solitarios, dos de ellos inmigrantes húngaros, automarginados e indolentes que prácticamente, se aburren todo el tiempo. Un día, tal vez su mismo hastió, les lleva a salir en busca del paraíso, recorriendo diferentes lugares de Estados Unidos.

Es llamativo el “choque de trenes” que se produce al encontrarse los dos jóvenes aparentemente aletargados e indolentes, (quizás como respuesta ante una realidad que no entienden ni en la que se integran) junto a la eclosión vital de una joven adolescente (Eva), esto hace que se desarrolle una convivencia singular, aparentemente hostil y aburrida, pero llena de ternura y comprensión.

La utilización del blanco y negro en esta cinta resalta más el dramatismo de los personajes y paradójicamente aumenta su expresividad.

Respecto a los escenarios donde se desarrolla la acción, ya sean en interiores como en paisajes exteriores, los encuadres de la cámara y la composición de la imagen son literalmente fascinantes: de una gran belleza y sugestión, lo que hace que no se extrañe la ausencia del color: haciendo de los cambios de luz el mejor maquillaje natural de los personajes, Aunque a menudo se detiene mucho tiempo en algunas escenas no se hace largo pues permite contemplar con mayor atención la estética y la ética de los personajes y su visión trascendente.

Aparentemente entre acto y acto no hay una transición suave, a veces incluso es brusca con fondo negro , pero no se pierde en ningún momento la armonía de la historia ni su hilo conductor, en cualquier caso, a los poco minutos de ver esta película se observa que se trata de una forma diferente y creativa de ver la realidad, y que el autor de la obra y hasta los mismos actores están tratando de expresar algo de de otra forma, y lo que expresan no es necesariamente grandes pensamientos o ideales raros o novedosos, sino su propia realidad , sus silencios, sus vacíos , sus miedos , en definitiva su propia humanidad, es esto lo que hace aun mas universal esta cinta

Resulta paradójico como se pueden reconocer en esta película como en ninguna otra, los sentimientos mas cotidianos y tal vez mas profundos del ser humano, a través de estos tres personajes marginales, solitarios e indolentes , sentimientos como el aburrimiento o la aparente monotonía , los silencios , las pequeñas ilusiones y desilusiones y alegrías del dia a dia.

Los paisajes bellísimos con sus perspectivas artisticas en los que se recrea el director, nos trasmiten como una sinfonía que quiere durar la melodía de la naturaleza. En otras ocasiones los escenarios interiores mas simples como una cocina sirven para recrearnos en la belleza de la cotidiano, aderezado con la musica mas cercana de la radio

Tal vez lo que mejor resume el alma de esta película , (además de la forma novedosa en cuanto a su elaboración) ya se adivina en el titulo “...en el paraiso” , y es que, aunque teóricamente la cinta describe a tres seres humanos atrapados por el vacio existencial , con aparente ausencia de ilusiones y horizontes vitales , su respuesta al embarcarse en el viaje, ya es una respuesta de esperanza profundamente vital, como la de Don Quijote o Marco Polo, la propia filosofia de del viaje es una respuesta esperanzada y real de sus vidas, tanto mas vital cuanto menos se busca el destino y mas el camino,

La recreación de los personajes y su fascinación al contemplar los paisajes hermosos. o ante la cotidianidad del día a día también son signos creativos y el director Jarmusch nos trasmite de una manera especial al prolongar singularmente estas escenas como para darnos tiempo no solo para ver, sino también para soñar, es este el signo mas claro de las obras maestras

Opening Night (Noche de estreno), John Cassavetes 1977

La película Opening Night (Noche de estreno) de John Cassavetes, que es, como en otras cintas que hemos visto, el autor, director y también colabora como interprete de la misma. Se trata de una obra singular por muchos factores pero tal vez lo mas llamativo es por tratarse quizás de la mas cuidada simbiosis de cine y teatro, no solo por su resultado final sino también por su expresada intencionalidad

Así es: desde la forma de elaboración del rodaje, en la que abundan los planos de las escenas vistos desde el punto de visión de la butaca del espectador, pasando a la visión desde detrás del escenario, o a la de dentro del mismo, todo ello asegura una percepción absoluta y tridimensional del acto creativo y de lo que es una representación teatral, pero a su vez con la magia y objetividad de la cámara de cine.

La interpretación de los actores principales, como suele ser frecuente en este tipo de obras, es impresionante se nota que los actores están enamorados del guión y aman profundamente su oficio, pues por si mismos al margen de escenarios, podrían captar la atención del espectador simplemente con sus diálogos y sin cambios de planos, ósea en teatro puro.

Hay que destacar sin duda la increíble interpretación de Gena Rowlands quizás por interpretarse así misma en el papel de una actriz como Myrtle Gordon, y también de un rostro reconocido de otras películas mas comerciales: Ben Gazzara, y la del propio Cassavetes, que al contrario que otro tipo de directores-actores lo hace muy natural en esta obra, olvidándose de que también es el director

La historia que narra esta “película-teatro” trata de las obsesiones del propio Cassavetes sobre el miedo existencial a la vida, concretado al paso del tiempo y a la soledad del hombre, tal vez las dos espadas de Damocles de nuestro tiempo.

Para ello utiliza a una actriz como protagonista y representante del ”teatro de la vida”, en una edad critica y la enfrenta a los grandes cambios y miedos de la vida, esto es, a situaciones incontrolables y limitantes, como el paso del tiempo y la vejez,.. soledad, enfermedad, perdida de belleza, etc... Hay que reconocer que, desde ese punto de vista y en este sentido, por tratarse de sentimientos profundamente humanos, su obra ya es universal.

Lo cierto es que también Cassavetes desnuda en cierta manera su espíritu y nos descubre sus miedos, y se retrata a si mismo, pues en esta obra se olvida en todo momento la referencia trascendente del hombre, … y es que, para cualquier artista, que se supone tiene hiperdesarrollada su sensibilidad y creatividad,.. y también su capacidad para percibir la realidad con mayor número de matices que el resto de los humanos, carecer de Fe, como dijo Graham Green, debe ser un infierno y tiende a percibirse la vida desde la desesperación,

De ahí la referencia continua al alcohol en esta película, con largos y primerisimos planos de los actores tomando e incluso del acto de llenar el vaso de wisky, la filmación del acto de tomar como acción de respuesta y como evasión autodestructiva a los miedos del hombre de hoy.

Se podría decir que es este el alcohol el tercer gran protagonista de la película y cuyo papel bien se podrá llamar “desesperanza”,

También decia que llama la atención los planos de las imágenes tomados desde distintos ángulos de referencia y la luminosidad de las escenas, que resulta fascinante y da una mayor expresiva y realismo a la actuaciones de los actores, ademas con sus primeros planos.

Al principio de la película la fotografia del primer plano de los ojos de Myrtle Gordon, parece ya anunciar que se trata de un retrato profundamente humano y que busca deliberadamente y casi desesperadamente, como los cuadros de el Greco, expresar su alma.

Por lo demás hay que destacar sin duda el juego mágico de lograr que el espectador vea la historia desde dentro, desde fuera y tal vez solo se podría extrañar poderlo ver también desde Arriba.

En cualquier caso, sin duda por los temas que trata, tan radicalmente humanos y por el retrato que hace de la sociedad y de nuestro tiempo, ya es una obra que entra por si misma, con letras de oro en la historia del arte cinematográfico

Live Is Sweet, La vida es dulce, de Mike Leigh 1991

La película Live Is Sweet (La vida es dulce) de Mike Leigh que, como en casi todas las que hemos visto en el curso, es también el director y autor del guión , narra la historia de una familia de clase media inglesa en Londres.

Se trata mas bien de una intrahistoria pues se centra en el universo limitado de la familia y lo hace a través del retrato de sus personajes, muy cercano, son estos los que centran el interés de la obra con su interpretación, con esta obra el autor quizás trata de expresar al mismo tiempo una critica de esa sociedad a través de la célula mas importante de ella: la familia

Se trata de un retrato que se hace con pocas concesiones a la estética visual y a la valoración de las formas expresivas de sus personajes, en efecto las escenas son largas y a veces se hacen tediosas, en algunas ocasiones una tiene la sensación al verla, de querer que terminen algunas escenas y comience ya otra, sensación que personalmente no he percibido en otras películas que hemos visto en el curso.

La interpretación de todos los personajes es excepcional desde Alison Steadman,, Jim Broadbent en su papel de Wendy, Andy, y las dos hijas , Natalie y Nicola, que con su capacidad expresiva sostienen la trama de la cinta y lo que puede despertar mas el interés del espectador., no obstante la historia a veces pueda resultar algo surrealista.

Los personajes son descritos desde los extremos mas dispares de caracteres, con una Wendy que expresa una euforia sin sentido y unas risas desproporcionadas etc., y las situaciones ambientales también se hacen en ocasiones muy forzadas, por ello resultan a menudo irreales y casi surrealistas, Aunque la desinhibición de los personajes, en sus diálogos y actos, pueda resultar en ocasiones divertida pero deja un fondo siempre de pesimismo.

Estos diálogos entre los personajes, especialmente entre las dos hermanas son de lo más forzado por su extremismo y también en ocasiones se hacen interminables resultando aburridos,

Por lo demás toca el tema, siempre real de la anorexia, enfocándolo de forma quizás muy certera como enfermedad social dentro de de la familia y también realza su valor , el de la familia, como el cosmos mas o menos imperfecto en el cual el ser humano puede ser aceptado y querido con todas sus limitaciones

Llama la atención efectivamente como Mike Leigh tal vez como autor del guión se centra tanto en la historia que apenas cuida la fotografía: los planos, tanto en interiores como en exteriores, son de los mas dispares, las escenas se enfocan en ocasiones desde planos bajos que parecen ser tomados desde la posición visual de un niño , hecho que tendría trascendencia simbólica si hubiera algún personaje importante en la película que así lo fuera , pero mas parece el resultado de improvisación o tal vez a la innovación simplista .

No se detiene el enfoque...ni se priva de los encuadres que aparecen los planos cortados por marcos de las puertas, ventanas, sillas etc, o cualquier objeto que se interponga entre la camara y la escena.

Solo la escena de comienzo de la película, larga pero bella, en la que se ve a Wendy en la escuela de danza, dando clase a los niños, es especialmente hermosa tanto por los planos externos como internos, con un gran colorido de la ambientación, y por el movimiento de la cámara,.. Si bien hay que admitir que cualquier escena en la que aparecen niños en acción y mas si es aprendiendo, es bella por si misma

Si ya dijo Cervantes que todos los libros incluso los malos son valiosos, tal vez también las películas tambien lo son .

Si bien hay que admitir que después de ver las ultimas películas de Tartovski resulta imposible evitar pensar , que si bien en el arte como hemos repetido no existe el termino superior e inferior , si hay niveles: nivel de belleza, de poesía, misticismo , de profundidad , de sacrificio , de preparación y hasta de respeto al publico que se supone ha de pagar unos cuantos pesos e invertir un tiempo de su tiempo para ver una obra de arte pues eso es lo que se supone que debe ser una película de cine.

Lamentablemente esta película, aunque puede tener un cierto valor descriptivo de una sociedad y en el fondo un llamado para expresar el valor incuestionable de la familia, desde mi modesto punto de vista, a ese otro nivel deja mucho que desear

El hombre sin pasado (The man without a past), Mies vailla menneisyyttä

Aki Kaurismäki , 2002



La película de Aki Kaurismäki, forma parte de este grupo elegido de filmes que son de naturaleza genial, puesto que son engendradas y elaboradas por y desde el alma de un artista, es decir cuyo autor, director, y productor es el mismo creador.

Se trata de un arte singular o una escuela sin reconocer, que inicio Charles Chaplin , y que han seguido de una u otra forma algunos artistas, esta película es sin duda , entre las que hemos visto hasta ahora en el curso, por su contenido y por su fondo, la que mas recuerda a las del genial Chaplin,

Describe la historia de un hombre que pierde la memoria y debe partir desde cero en su vida.

Se trata de un tema recurrente en el cine puesto que son varias las películas que se basan en este argumento inicial, tal vez porque resulta como un caramelo muy apetecible para generar un guión.

Es sin duda un soporte muy atractivo, puesto que nace de la base de la descripción de la realidad desde la visión mas ajena a la misma y desde un objetivo único y mágico, como podría ser la de un “ marciano “ o para ser mas exactos la de un niño, lo que permite describir la vida y esa realidad en todas sus facetas, con inocencia , humor ,alegría , nostalgia , y sobre todo esperanza . Así mismo la mirada del marciano puede mostrar esa realidad cruda y desnuda desde la más distanciada objetividad, lo que permite una crítica más mordaz y eficiente, a traves de un surrealismo del absurdo, tipo kafkiano.


Además “el comenzar la vida desde cero” es sin duda la mejor metáfora o “parábola” para describir lo que es la vida en toda su trascendencia, que comienza cada mañana o para ser mas exactos en cada instante, como un regalo o un Don, esto siempre es saludable y necesario para nuestras aceleradas y un tanto miopes o ciegas sociedades occidentales, puesto que induce a la reflexión y permite por ello la corrección de errores sociales y personales.



Es de destacar la interpretación de ambos Markku Peltola (M), y (Irma), como geniales, la fuerza expresiva de los rostros especialmente de Kati Outinen en las escenas de mas intensidad emotiva son fascinantes, mas llamativas aun por venir de personas de sociedades teóricamente muy gélidas como su clima,

En cuanto a la imagen, asimismo me ha llamado la atención la escasez de luz en las escenas, incluso en escenarios externos y naturales, que aunque puedan dar un ambiente y un clima mas intimo y recogido sobre todo en el rodaje de interiores, pero quizás restan expresividad estética, y no aprovecha las ventajas y la fuerza del color, Esto resulta mas llamativo teniendo en cuenta que por esos países nórdicos de Europa son abundantes los paisajes naturales de gran belleza y colorido, imágenes que en la película solo se muestran de pasada, sin evocarlos con la misma intensidad de otras cintas que hemos visto.
El argumento no puede ser más poético y expresivo: se inicia con un viaje en tren, (el mejor símbolo del viaje de la vida), de Marka Peltola a Helsinki buscando trabajo, allí es asaltado y golpeado por unos delincuentes, y como resultado de ello pierde la memoria, a partir de ahí debe continuar su vida desde cero.
Desde este nuevo renacer es desde donde se descubre y se describe la vida, rodeado de personajes desheredados de la tierra … mendigos en los que se transparenta toda la dignidad del ser humano , y así mismo como en otras cintas que se inician con este mismo argumento se descubre el amor, como fuerza imparable y como generosidad inicial a través de una voluntaria de una organización cristiana caritativa , por ello también es un reconocimiento del cristianismo como la base donde se asienta de forma natural la dignidad del ser humano

Es curioso como Aki Kaurismäki incorpora la música como un ingrediente mas de la película, al mismo nivel expresivo que los diálogos, música que siempre nace desde dentro de las escenas: a través de un aparato de radio o de disquetera y también en actuaciones en directo de bandas musicales, y respecto al estilo es de destacar la variedad con incorporación del ritmo, a través del rock, blues etc.,

Llama la atención la incorporación de música de rock en escenas estáticas o lentas y de escasa luminosidad, que teóricamente pedirían sonidos más suaves, sin duda Kaurismäki quiere expresar el ritmo vital de estos dos personajes que independiente-mente del entorno, experimentan el milagro del amor.

Así pues una película grandiosa de esas que al terminar apetece aplaudir, y al salir solo se escapa una frase ¡ genial !

LA CELEBRACION (FESTEN). Thomas Vinterberg, 1998

La película forma parte de un movimiento cultural cinematográfico que se creó en Dinamarca en 1995, denominado DOGMA 95. Su objetivo era crear películas simples y sencillas de elaborar en cuanto a medios y sin modificaciones en la post-producción, poniendo como objetivo principal: la descripción de la realidad lo más fielmente posible

Para analizar esta película es necesario señalar antes esquemáticamente cuales son los puntos imprescindibles para ser admitida como Dogma, pues sin ello es imposible comprender en toda su dimensión y trascendencia esta cinta, así como sus limitaciones.

Son estos:

1. El rodaje debe realizarse en exteriores.

2. El sonido debe el original y la música solo si esta en la escena, La cámara debe sostenerse en la mano.

3. La película tiene que ser en color y siempre con luz natural

4. Los trucajes y filtros están prohibidos.

5. La película no debe contener ninguna acción superficial. (Muertos, armas, etc., )

6. Los cambios temporales y geográficos están prohibidos. (todo sucede aquí y ahora).

7. Las películas de género no son validas

8. El formato de la película debe ser en 35 mm.

9. El director no debe aparecer en los créditos.

Se trata pues de un movimiento reactivo y “rompedor”, y como siempre ocurre en estos casos tiene algunos aspectos positivos y también otros negativos, entre los primeros estaría una reivindicación del cine como arte y un rechazo de su concepto como objeto puramente de consumo así como contra su excesiva industrialización.

Como aspectos negativos: muchas tantas cosas que podemos observar en esta película, y que como describiremos mas adelante paradójicamente estan en contradicción con su teórico objetivo de describir la realidad, pues estos “dogmas” limitan considerablemente la percepción de la misma.

La celebración, de Thomas Vinterberg, 1998, es una obra dramática que trata de una familia de la alta burguesía danesa que se dispone a celebrar el sesenta cumpleaños del patriarca, durante la celebración uno de los hijos tomado bajo los efectos del alcohol relata ante todos, el abuso sexual e incesto que sometió el padre sobre sus hijos, cuando eran niños y el suicidio de una hermana presumiblemente por esa causa.

Las escenas poseen un gran dramatismo y despiertan de inmediato el interés: por la crudeza de de los hechos, la extremada violencia verbal y sobre todo por la extraordinaria interpretación de los actores, que se acrecienta por la abundancia de primeros primeros planos.

Todo ello consigue atrapar la atención del espectador en casi todos los momentos de la película, a pesar de las limitaciones de visualización que conlleva su elaboración, como son: los frecuentes desenfoques o salidas de los personajes del cuadro de la pantalla, cambios de luz que oscurecen o “queman” las caras u objetos y por ello impiden ver a veces toda su fuerza expresiva, así como la inestabilidad de la imagen por el movimiento de la cámara, etc.; ni que decir tiene asimismo la limitación en la percepción de la belleza de los paisajes .

Tal vez este tipo de películas, en cuento a su elaboración, solo se pueden hacer con este tipo de guiones muy adaptables al teatro, como se ha visto después, puesto que se ha reproducido en diferentes lugares del mundo, también aquí en México, como representación teatral.

Con esta película Vinterberg destapa toda la hipocresía de una familia y sus miserias humanas mas abyectas, haciendo con ello una crítica feroz de una clase social e indirectamente de toda la sociedad, pues también intervienen empleados como personajes ajenos a la misma.

Llama la atención, desde la perspectiva nuestra, la frialdad de los personajes en condiciones normales, no tomados, y su capacidad para mantener las formas, durante años, a pesar de los hechos tan graves y espeluznantes que viven, lo que describe también la idiosincrasia de estos pueblos sajones del norte de Europa, tan diferentes de los pueblos latinos nuestros, con caracteres mas expresivos y pasionales.

Por ultimo resaltar algunas contradicciones respecto a esta película como representativa de DOGMA:

Sobre el ultimo punto: .. que el director no debe aparecer en los créditos (teóricamente porque la obra es de todos…), lo cierto es que, como todo el mundo sabe, el anonimato suele ser el mejor aliado de la ausencia de responsabilidad, que como ya dijo Marañon, “se diluye como la tinta en el mar”, afortunadamente este punto , como otros , no se cumplió en esta película , que es conocida y pasará a la historia del arte, también como obra de su autor Vinterberg.

Otros puntos, como que la cámara debe sostenerse con la mano, sin duda dificulta la visión de las escenas, que se mueven como en pequeños temblores y son antinaturales pues la visión del ojos humano es estática.

Así pues la trascendencia de esta película viene también por ser una de las mas representativas de este movimiento DOGMA, que tuvo su recorrido, y que podrá ser reanudado en el futuro asumiendo aciertos y corrigiendo errores, tal vez empezando por el nombre, “Dogma 95” pues, como se sabe, el arte en general y por definición es “antidogma” e imperecedero.

Sabiendo que el progreso siempre, también en el arte, es suma y universalidad .

Lo que sucedió fue... (1994),

Título original:  What Happened Was... de Tom Noonan

La película tiene grandes singularidades, y solo por ello ya la hacen merecedora de entrar en la historia de la cinematografía, una de ellas es su naturaleza radicalmente personal , dado Tom Noonan es el autor, director y actor de la obra y de forma indirecta parece que también su promotor; Esto hace aun mas singular la obra y la confiere un cierto espíritu artesano que es lo que caracteriza a otras artes: desde la pintura , escultura, etc., además de señalar una independencia, que es siempre positiva en el acto creativo pues marca distancia con la excesiva industrialización del cine y es siempre un ejemplo y estimulo para los jóvenes creadores.

La otra gran singularidad de Lo que sucedió fue... ... es que se trata de una adaptación especialmente arriesgada y novedosa, de una obra de teatro al cine, con escasos medios externos ajenos, y con dos únicos personaje, en un único escenario de un apartamento de la gran ciudad (en este caso Nueva York) , Jackie (personaje interpretado por Karen Sillas) secretaria en un importante bufete, queda para cenar con su compañero, Michael (Tom Noonan ), que esta escribiendo un libro en el que denuncia la corrupción del sistema ..

Son dos personajes que podrían representar al hombre medio de la gran ciudad , la interpretación de, Karen Sillas en su papel de Jackie es impresionante , destacando su naturalidad , espontaneidad y su capacidad para sugerir con el gesto, con la mirada y a través de lo que ahora se denomina el lenguaje no verbal , por el contrario Michael,, ( el personaje interpretado por Tom Noonan ) se halla mas encorsetado y rígido , no tanto por su papel, que requiere de cierta angustia que le bloquee a veces emocionalmente , sino también sin duda por la sobrecarga de responsabilidades y funciones que sobrelleva en la creación de esta película y que parece que le resta espontaneidad en su interpretación

En la película “Lo que sucedió fue...” el verdadero milagro se produce al lograr captar la atención y el interés del espectador a través de los sentimientos: de la sugestión, seducción, ilusión, intriga,..desde el plano sensual y sexual al dramatismo y a la racionalidad, pero en la trama persiste continuamente un cierto suspense en la acción a través de la seducción

Se describen hechos y sentimientos cotidianos de la vida pero que paradójicamente adquieren a veces gran dramatismo ayudado por una escenografita en la que abundan las sombras y se mide con “cuentagotas” la luz, todo ello induce sin duda a la sugestión , al misterio y a la intriga de adivinar que acontecerá en el minuto siguiente.

Al terminar la película queda una rara sensación que no suele ocurrir tras ver otras cintas… es como haber sido " victima o participe" de un juego de ilusionismo o magia, durante los ochenta y seis minutos que dura la exposición.



Viendo esta película de raíz tan personal nos recuerda como no, a otras obras muy personales en la historia del cine, especialmente las de Charles Chaplin, en las que también era él mismo: autor, director y actor , pero es significativo señalar las diferencias, al margen de las distancias, no en términos de superioridad que es inexistente en el mundo del arte , pero el contraste diferenciador entre uno y otro es mas que evidente: pues si Charles Chaplin creaba en sus obras un trasfondo romántico de idealismo casi infantil a la vez que grave y con objetivo de cambiar la realidad, ..y por ello de esperanza, en este caso, en la obra de T. Noonan se trata una mera descripción de la realidad humana: personal y social, a través de las emociones,.. de la soledad del hombre de hoy en las grandes ciudades,.. sus miedos y sus limitaciones. Pero no se percibe ese fondo de esperanza, más bien al contrario





Así pues esta obra de “Lo que sucedió…” se trata de una simbiosis de cine y teatro, con éxito dado que se produce el gran milagro de conseguir captar la atención del espectador a través de la emoción, y por medio de dos únicos personajes y en un solo escenario: un apartamento típico de una gran ciudad en este caso de nueva York. Retrataría pues al hombre medio occidental con sus vacíos y sus miedos existenciales.

Sin duda la seducción es el sentimiento que mas aflora en el ambiente y lo que sostiene la trama del argumento , sin llegar nunca a materializarse en la acción , de ahí su magia, es por ello que tal vez no se entendería esta película si los personajes no estuvieran unidos también por la atracción sexual , por ejemplo si se tratara entre dos simples amigos o amigas o con otras variables personales como de edad avanzada, etc..

En cualquier caso, se trata sin duda de una obra singular con todas sus limitaciones, que a fuer de personal, es universal y que por ello de las que siempre marcan un camino a las nuevas generaciones de creadores

JF Jimenez